La danse est un langage corporel universel, avec l'aide duquel les gens depuis l'Antiquité ont exprimé leurs sentiments, et aujourd'hui, la capacité de danser, de contrôler son propre corps et d'enfermer ses émotions dans le mouvement est très appréciée. Dans la capacité de danser, il est important non seulement de proposer des mouvements et de leur donner vie, mais aussi de créer le spectacle de danse lui-même, qui doit être réfléchi et compétent.
Instructions
Étape 1
Pour composer une danse, vous devez comprendre ce qui est inclus dans la composition. Dans la composition de la danse, son contenu, son accompagnement musical, le texte de la danse sont importants - le mouvement lui-même, les poses des danseurs, les expressions faciales et la composante émotionnelle. Il est également important de savoir comment les danseurs se déplacent sur la scène, sous quels angles ils montreront leurs mouvements au public.
Étape 2
La composition de la danse doit être harmonieuse et viser à exprimer les sentiments que vous mettez dans la production par tous les moyens disponibles et à créer une certaine ambiance dans le public.
Étape 3
Déterminez quel état d'esprit vous voulez exprimer en utilisant le langage de la danse: amour, plaisir, chagrin, désespoir, jalousie, courage ou peur. Lors de la création d'une production, passez du simple au complexe pour ne pas perdre l'attention du public et créer des tensions pendant que vous dansez.
Étape 4
Assurez-vous d'inclure dans la danse le moment du point culminant, lorsque la tension atteint son point culminant, et après le point culminant, ne traînez pas la production - elle devrait apparaître peu de temps avant la finale.
Étape 5
Cela vaut la peine de commencer un spectacle de danse avec une exposition dans laquelle les héros de la danse sont présentés au public, et ils ont l'occasion de s'habituer au début de la danse, de voir les danseurs et leurs costumes. Il devrait y avoir une égalité après l'exposition. Essayez de le rendre captivant, clair et vivant afin que le public puisse déterminer l'ambiance principale de la danse et les personnages des danseurs, percevoir leurs images.
Étape 6
Les mouvements des danseurs en cravate doivent avant tout correspondre à leur image scénique. Ensuite, il y a le développement de l'action - ne le prolongez pas trop, essayez de faire le développement de manière à ce que le spectateur ne quitte pas la scène des yeux pendant une minute. A ce stade, vous pouvez surprendre le public en réarrangeant les danseurs, en changeant la musique ou les costumes. À ce stade, le public doit comprendre l'intrigue principale de la danse.
Étape 7
Enfin, après le développement, un point culminant devrait arriver, y compris le pouvoir d'influence maximal sur le public. Le point culminant est l'élément le plus puissant d'une production de danse, alors portez une attention particulière à sa conception.
Étape 8
N'oubliez pas le dénouement - la dernière partie de la danse devrait commencer peu de temps après le point culminant, elle peut être inattendue et inhabituelle, mais assurez-vous de rendre le dénouement spectaculaire. Ne terminez jamais une danse immédiatement après le point culminant - cela laissera le public avec un sentiment inconfortable d'inachèvement. Travaillez sur le plateau pour que la danse semble holistique.